Synopsis :Derek, un étudiant timide de première année se rend au chalet de son beau-père pour y faire la fête avec ses amis et Sam, sa petite amie. Mais les festivités tournent au massacre quand ils sont attaqués par un loup-garou. Derek et Sam arrivent à s’échapper des griffes de la bête. Ils ne vont pas tarder à découvrir un terrible secret quant aux origines du monstre.
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Mon avis : L’Ordre du Loup fait parti des quelques films de loups-garous que je me suis achetés dernièrement pour compléter ma collection sur ce thème =) Je dois dire qu’au vu de la bande-annonce et du résumé, au pitch ultra-classique, je n’en attendais pas grand chose, et tant mieux.
Côté histoire, un début peu original, où on nous introduit le héros, Drake, qui s’apprête à partir avec ses amis faire la fiesta dans la cabane de son beau-père, perdue au milieu de nul-part. Franchement, ils n’auraient pas pu aller ailleurs pour faire la fête lol ? Néanmoins, j’ai été surpris, car je m’attendais à ce que cette histoire de soirée tournant au massacre par un loup-garou constitue l’ensemble du film. Or, il n’en est rien, puisque cet évènement n’accapare que les 1/4 du long-métrage. Concernant la suite des évènements, il s’agira pour Derek et son amie Sam de découvrir qui se cache derrière le loup-garou ! Malheureusement, là où on pouvait s’attendre à devoir tenter de percer le mystère jusqu’à la toute fin, le scénario se contente de nous livrer assez rapidement l’identité du coupable, ce qui casse un peu la tension du film. Dans l’ensemble, l’histoire est par moment assez lente et peu rythmée, et c’est le principal défaut du film.
L’autre grand défaut, c’est le loup-garou en lui-même. Alors certes, le film affiche son originalité par le fait que ce lycanthrope puisse parler en étant transformé, et ce dernier s’avère être assez pervers sur les bords, ce qui donne lieu à quelques moments comiques faisant lorgner le film du côté de la comédie horrifique. L’idée aurait été bonne si le design du loup-garou n’avait hélas pas été aussi moisi ! Il est tellement ridicule qu’il n’inspire aucune crainte, et prête même plutôt à rire (après tout, c’était peut-être le but recherché ?). Néanmoins, on peut saluer l’effort des costumiers d’avoir opté pour des effets pratiques plutôt que de tomber dans le tout virtuel. D’ailleurs, une seule scène a recours aux images de synthèse, celle d’une brève transformation (assez peu réussie d’ailleurs, la faute sûrement à budget très serré).
Côté casting, on se retrouve clairement avec des acteurs de seconde zone, voire de troisième zone. Rien de transcendant dans le jeu, mais on retiendra tout de même les prestations sympathiques de Kimberley J. Brown (Sam), un poil rebelle, et de Sarah Aldrich, peu présente mais touchante.
N’espérez pas non plus grand chose de la mise en scène qui est plutôt banale et sans prise de risque, tout comme la bande-son n’ayant rien de fantastique. Toutefois, les amateurs de gore seront servis avec quelques beaux moments sanglants !
En conclusion, un film de loup-garou Direct-to-Video qu’il faut voir si vous aimez le sujet, mais n’en attendez pas grand chose. Il reste sympathique, mais les autres seront sûrement déçus.
P.S. : Fun-fact assez drôle, l’acteur principal, Trevor Duke-Moretz, est le grand frère de l’actrice Chloë Grace Moretz (Kick-Ass, La 5ème Vague, etc.) !
Synopsis :Dans un train de banlieue londonienne, à la tombée de la nuit, le voyage se transforme en cauchemar lorsqu’un jeune contrôleur et un groupe de voyageurs se retrouvent à devoir lutter à mort contre une créature maléfique et terrifiante …
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Mon avis : Nouvelle chronique sur un film de loups-garous, le récent Howl, qui nous vient tout droit du Royaume-Uni. J’entends parler de ce long-métrage depuis sa sortie là-bas, mais je n’avais pas encore eu l’occasion de le visionner. En ayant entendu de bons échos, je me suis décidé à me le prendre sur Amazon.
Grosse déception et incompréhension tout de même, le film n’est disponible qu’en DVD en France ! J’ai été assez ébahi de découvrir qu’en France, en 2017, un éditeur pouvait encore sortir un film récent uniquement en DVD. Pas même une version Blu-Ray ! Et à l’heure de la haute-définition, ça devrait même plutôt être l’inverse, ce film ne devrait être dispo qu’en Blu-Ray. Franchement, à part quelques irréductibles, tout le monde est passé à ce format. On a l’impression de revenir dix ans en arrière Oo. D’autant plus que la seconde déception, c’est la qualité de l’image sur ce DVD : elle est vraiment dégueulasse durant certains passages, et on sent bien que le film a été compressé. Une version haute-définition aurait permis d’ajouter plus de détails et d’éviter ces désagréments malvenus, surtout en 2017.
Bon, pour passer ce petit problème, sachez que j’ai passé un excellent moment devant Howl ! Les britanniques nous ont habitué depuis plus d’une décennie à quelques beaux bijoux horrifiques, parmi lesquels Dog Soldiers, The Descent ou encore Doomsday pour ne citer qu’eux. Et cette tendance se poursuit avec Howl.
Avant le visionnage, il faut tout de même savoir que ce film a été réalisé avec un budget assez serré, et pourtant, il s’en sort à merveille. En effet, doté d’une ambiance sombre, d’une situation effrayante à souhait (qui rêverait que son train tombe en panne au beau milieu d’une forêt en rase campagne ?), ainsi que d’un casting convaincant, le film a tout pour plaire aux amateurs de loups-garous.
Les scénaristes ont fait le pari de proposer cette situation originale, et ça paye. L’histoire fonctionne très bien, et rapidement, nous sommes plongés dedans, impatients de découvrir ce qui va bien pouvoir arriver à ce groupe de passagers pris au piège. Car les pauvres ne vont en effet pas tarder à découvrir que leur train, en plus d’être à l’arrêt, est également pris d’assaut par un loup-garou meurtrier. Les personnages principaux sont assez bien développés avec un minimum de background, et le film excelle à montrer comment chacun peut réagir dans ce genre de situations : garder son calme, piquer une crise, s’en prendre aux autres, s’échapper, sacrifier autrui. Finalement, le loup-garou dépeint n’est pas la seule menace présente, puisque le comportement de chaque protagoniste l’est tout autant.
La réalisateur Paul Hyett met en scène avec brio cette trame, créant une ambiance ténébreuse et angoissante, celle de la forêt nocturne, abritant mille et une créatures de nos cauchemars les plus sombres. Cela n’a pas dû être évident de tourner les trois quarts du film dans un train reconstitué, et pourtant, ça reste crédible, d’autant plus que la tension monte d’un cran lorsque le loup-garou commence à assiéger puis à vouloir pénétrer dans le train pour croquer ces chers passagers.
Le casting est constitué de Ed Speelers, notamment vu dans Eragon ou plus récemment dans Downton. Parmi les têtes connues, on retrouve également Shauna Macdonald, héroïne inoubliable du diptyque The Descent. Fait également une brève apparition Sean Pertwee, qui a déjà combattu les loups-garous dans Dog Soldiers, mais dont le destin est ici rapidement scellé. Dans l’ensemble, le casting est convaincant, et chaque acteur parvient à nous faire ressentir l’ambiance étouffante en huit-clos du train en panne.
Côté musique, celles-ci sont assez discrètes mais efficaces dans les moments clefs. On retiendra le thème principal, très joli.
Au niveau des loups-garous, leur design est assez recherché pour un film à petit budget, et celui-ci ne sombre nullement dans les faux-pas qu’ont pu commettre certains autres films du même genre dernièrement, avec des lycanthropes ridicules (Wolves, The Howling : Reborn). Le réalisateur a souhaité que les loups-garous conservent une apparence humaine, tout en incorporant certaines caractéristiques animales. Point de museau allongé, mais une gueule béante remplie de crocs garnis ainsi que des jambes musclées et lupines, le tout accompagné d’un physique imposant ainsi que d’yeux jaunes brillants qui donnent lieux à quelques scènes bien creepy dans les ténèbres de la forêt.
Dans l’ensemble, j’ai trouvé ce petit bijou sans prétention très original et intéressant. Cela faisait longtemps que je n’avais pas autant pris mon pied devant un film de loups-garous (probablement depuis Underworld et Dog Soldiers), et je vous le recommande chaudement ! L’ambiance est angoissante, les moments de gore ne sont pas oubliés, la tension monte crescendo, et on a même le droit à quelques rebondissements qui jalonnent le film. Bref, un excellent cocktail, on en redemande !
Titre Original :Wolves Date de sortie (France) : 03/03/2015 Date de sortie (USA) :14/11/2014 Réalisé par : David Hayter Avec : Lucas Till, Jason Momoa, Merritt Patterson, Stephen McHattie Durée : 1h31
Synopsis :Contraint de prendre la route après le meurtre de ses parents, Cayden erre, perdue, sans but … Jusqu’à ce qu’il rencontre un fou nommé Wild Joe, qui le met sur la route de la sinistre ville de Lupine Ridge, où il traquera les vérités de son histoire. Mais le chasseur ne finira-t-il pas par être le chassé ?
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Mon avis : Nouvelle petite chronique sur un film de loups-garous, plus précisément Wolves. Ce film nous vient du réalisateur David Hayter, surtout connu en tant que scénariste de X-Men 2 et Watchmen. Il signe également ici le scénario de ce film lycanthrope.
Les prémices de l’histoire sont des plus classiques : Cayden, le héros, ne tarde pas à découvrir qu’il est un loup-garou, après avoir notamment massacré sa famille adoptive sans le vouloir. Cayden va alors prendre la fuite et tenter de percer le mystère de ses origines en se rendant à Lupine Ridge, ville où réside une ancienne assemblée de loups-garous dirigée par Connor, l’Alpha.
J’ai moyennement apprécié ce film, pour plusieurs raisons. La mise en scène est tout à fait banale et le réalisateur ne s’est pas vraiment foulé. Mais le pire reste à mon sens le design des loups-garous eux-même qui est franchement ridicule, et peu effrayant. Ils tiennent plus du Sasquatch que du lycanthrophe. Mais bon, voyons le côté positif des choses : au moins on ne se tape pas les sempiternels « simples » loups que l’on croise trop souvent dans les séries et les livres, et qui, à mon sens, n’ont rien de loups-garous !
Le jeu des acteurs est passable. Lucas Till s’en sort plutôt bien en jeune loup-garou perdu. Jason Momoa surjoue un peu trop son rôle d’Alpha à tel point que ça en devient parfois grotesque, même s’il dégage une certaine prestance. Stephen McHattie est plutôt convaincant. Quant à Merritt Patterson, je l’ai trouvée plate.
Le scénario, malgré quelques rebondissements arrivé au dernier tiers, ne casse pas trois pattes à un canard. Il y a tout de même un semblant de développement sur la mythologie lycanthrope dans le film, ce qui est tout de même le minimum pour un long-métrage portant sur cette thématique. L’histoire n’est hélas pas exempte de quelques moments bien clichés et bidons. Les scènes de combat sont plus au moins bien chorégraphiées, ce qui relève un poil le niveau. La bande sonore m’a laissé indifférent. À vrai dire, on ne le remarque pas vraiment, et je n’ai pas retenu de compositions mémorables.
Pour être franc, Wolves m’a plutôt fait penser à un épisode de série de style Teen Wolf, mais en version long-métrage, et en moins bien. On sent un cruel manque de budget derrière tout ça, ce qui est dommage car l’idée de base avait malgré tout un certain potentiel. Mais un manque de budget ne signifie pas forcément que les choses doivent forcément être mauvaises. Il suffit de regarder, par exemple, l’excellent Dog Soldiers de Neil Marshall pour s’en convaincre.
Bref, vous l’aurez compris, Wolves ne m’a pas vraiment impressionné. Le film ne cherche pas à réinventer les codes de la mythologie lycanthrope, et j’aurais apprécié une ambiance un poil plus sombre et horrifique.
Si vous avez également visionné ce film, n’hésitez pas à laisser votre avis en commentaire 😉
Titre Original :The Howling : Reborn Date de sortie (France) : 02/05/2012 Date de sortie (USA) : 18/10/2011 Réalisé par : Joe Nimziki Avec : Landon Liboiron, Lindsey Shaw, Ivana Milicevic Durée : 1h28
Synopsis : À la veille de l’obtention de son diplôme de fin d’études, le solitaire Will Kidman sort enfin avec la fille de ses rêves, Eliana Wynter. Mais il découvre au même moment un sombre secret en rapport avec son passé. En effet, Will appartient à un clan de lycanthropes et il est sur le point de se transformer en loup-garou. Une meute désire justement le tuer, lui et sa nouvelle petite amie …
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Mon avis : Étant un grand fan de loups-garous, je vais tâcher dans les semaines à venir de livrer quelques avis sur des films dédiés à ce sujet. Aujourd’hui, je vais vous parler de The Howling : Reborn (stupidement renommé Full Moon Renaissance en France …), qui est en réalité le huitième opus de la célèbre saga Hurlements, initiée avec l’excellent premier volet culte de Joe Dante en 1980. J’ai été assez surpris en 2011 de découvrir qu’un nouveau film allait sortir, puisque le dernier, le très oubliable The Howling VII : New Moon Rising, était sorti en 1995, seize ans auparavant.
J’ai enfin eu l’occasion de voir ce film il y a quelques jours. Je l’ai trouvé pour pas trop cher sur Amazon en Blu-Ray, et il rejoint donc ma collection de films de loups-garous (j’en ai profité pour faire une razia sur les derniers films sortis dans ce registre).
Ayant vu presque tous les précédents films, sauf le troisième et le sixième dont je n’ai pu visionner que quelques extraits, et ayant également lu les trois romans de Gary Brandner dont est issue la saga, je dois dire que mon avis est en demi-teinte.
D’abord, commençons par éclaircir deux points : au début, dans le générique introductif, on nous précise que le film est basé sur le second roman de Gary Brandner, The Howling II : Return of the Howling. Vraiment ? Je n’ai absolument constaté aucun point commun entre les deux oeuvres ! Aucun personnage, ni aucune intrigue du second livre n’est reprise dans ce film. Je me demande donc si cette mention n’était surtout pas là pour faire le lien avec le reste de la saga.
Car oui, cette mention est bien la seule qui puisse faire un lien. L’histoire ne fait référence à aucun des opus précédents, à tel point qu’on pourrait qualifier ce huitième volet de « reboot ». Dommage, un petit clin d’oeil au premier épisode et à Karen White aurait été sympathique.
En même temps me direz-vous, les précédents opus ne faisaient pas non plus forcément de liens entre eux, hormis les deux premiers films, et le septième qui reprend un personnage clef des opus 4, 5 et 6 dans son cliffhanger final.
Côté histoire, le film étant sorti vers la fin de la période où Twilight était en vogue, on sent que les scénaristes sont partis s’inspirer de ce côté là, puisque le casting est principalement composé de jeunes acteurs, le tout évoluant autour d’une histoire d’amour, mêlé à l’apparition de personnages mystérieux. J’ai d’ailleurs été surpris de découvrir que l’acteur principal était le même que celui qui joue le gitan lycanthrope dans Hemlock Grove. Ce n’était donc pas son premier rôle de loup-garou lorsqu’il a commencé cette série ^^ On se retrouve donc dans une situation assez typique qui se déroule dans un lycée, où Will Kidman va tomber amoureux de la jolie Eliana. Will ne va pas tarder à découvrir qu’il est issu d’une lignée de loups-garous, et qu’il se transformera à la prochaine pleine lune. Il va devoir faire face à un gang de lycanthropes adverse qui a un plan diabolique derrière la tête.
La mythologie du loup-garou est très peu développée, et ne s’accorde pas forcément avec les codes des anciens opus, puisque dans The Howling, les loups-garous sont censés pouvoir se transformer à volonté, et pas seulement durant la pleine lune (m’enfin, ça ne serait pas la première fois que des éléments de la mythologie divergent entre deux opus). Quant à leur design, il y a une certaine recherche, et ils sont plutôt réussis, mais le bas de leur costume est vraiment ridicule (le haut du corps est presque exempt de poils, tandis que les jambes et le bas ventre en sont recouverts, on dirait une espèce de pantalon). Par contre, on ne peut que saluer l’effort des créateurs qui ont en grande majorité utilisé ces combinaisons et des effets pratiques plutôt que des images de synthèse, ce qui donne un côté old school plus que bienvenu dans l’ère du tout numérique. Par contre, ne vous attendez pas à voir énormément les loups-garous, on les croise surtout vers le dernier tiers du film.
Au niveau de la mise en scène, pour un direct-to-DVD, la première moitié du film s’avère vraiment sympathique, je ne m’y attendais pas. On a le droit à quelques plans, mouvements et cadrages très inspirés, notamment durant la séquence de la soirée underground. De manière générale, la réalisation est plus que correcte pour les séquences classiques. Par contre, là où le bas blesse, et cela se ressent surtout dans le dernier tiers du film, c’est la réalisation des séquences d’action. Une catastrophe ! Les plans sont très saccadés, parfois incompréhensibles, voire complètement grotesques. La faute à un budget probablement très serré, qui ne permettait pas de mettre en place des scènes d’action travaillées, à la Underworld dans le même registre par exemple. Cette mise en scène est sans doute là pour servir de cache-misère.
En ce qui concerne la prestation des acteurs, heureusement elle est plus que correcte. Landon Liboiron s’en sort plutôt bien dans son rôle de personnage principal. Lindsay Shaw quant à elle parvient à semer le doute dans nos têtes au sujet de sa véritable nature, et pour finir j’ai trouvé Ivana Miličević diablement sexy et provocante dans son rôle d’enfoirée de service.
Dernier point, la bande-sonore, qui était elle aussi assez chouette ! En plus de la musique principale, composée par Christopher Carmichael et Mark Yaeger, on retrouve pas mal de musiques de groupes et chanteurs indépendants peu connus qui collent bien à l’ambiance. Ça m’a permis de découvrir notamment la chanteuse Azam Ali et ses musiques envoûtantes
Pour conclure, The Howling : Reborn part d’une bonne idée assez intrigante (je ne veux pas la spoiler) révélée vers le derniers tiers. Le réalisateur s’en sort plutôt bien dans la majeure partie du temps, comme les acteurs. Malheureusement, je pense que ce qui a ruiné le film, c’est probablement le gros manque de moyen, qui a empêché de développer correctement le tout et de créer de bonnes séquences d’action qui auraient assurément relevé le niveau ! Ce qui donne un résultat assez moyen et passable. À voir quand même si vous êtes fan de loups-garous La fin étant ceci dit très ouverte, je me demande si on aura un jour droit une suite …
Nouvelle chronique sur le cinéma gay, consacrée cette fois à un film Allemand, La Clé des Champs.
Titre original :Stadt Land Fluss Nationalité(s) : Allemand Date de sortie : 19 Mai 2011 Date de sortie France : 08 Octobre 2011 Réalisé par :Benjamin Cantu Avec : Lukas Steltner, Kai Michael Müller, Steven Baade Genre(s) : Romance, Drame Durée : 1h28
Synopsis :Marko est apprenti dans un grand complexe agricole à Nuthe-Urstromtal, à 60 kilomètres au sud de Berlin. S’il passe ses examens, il sera agriculteur. S’il le veut vraiment ! Il n’a pas beaucoup d’amis et les autres apprentis voient en lui quelqu’un de taciturne et de solitaire. Mais quand Jacob se joint à eux, Marko commence lentement à sortir de sa coquille. En transportant le grain ou en s’occupant des veaux, les deux hommes vont commencer à se connaître. Lors d’une escapade à Berlin, cette relation évolue …
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Mon avis : Après mon avis sur le film Hawaii, voici une nouvelle critique sur le film Allemand « La Clé des Champs », intitulé « Stadt Land Fluss » en version originale.
Je serai assez bref car cela fait plus d’un an que j’ai vu le film, et il n’est plus très frais dans ma mémoire. Le film raconte donc l’histoire de Marko, apprenti dans une école agricole, qui a beaucoup de potentiel dans cette discipline, mais qui malheureusement néglige ses études. Le jeune homme est en effet très refermé sur lui-même, très secret, et surtout peu bavard. Pour tout dire, il ne fréquente pratiquement pas ses autres camarades.
Néanmoins, un jour, un jeune garçon dénommé Jacob va faire son apparition dans l’école, et pour tout dire, il ne va pas laisser Marko indifférent. Lentement mais sûrement, les deux vont commencer à se rapprocher, jusqu’à nouer une relation assez complexe, empreinte de désir inavoué et de pudeur.
En ce sens, le film m’a beaucoup fait penser dans son traitement au long-métrage de ma précédente critique, Hawaii. On est beaucoup plus dans la construction des personnages, la complexité des émotions et une mise en scène assez monotone, que dans l’action et la rapidité. Car en effet, il va falloir attendre presque une heure de film, une heure de tension palpable entre les deux protagonistes, une heure à se chercher à l’un l’autre, avant qu’il ne commence véritablement à se passer quelque chose.
Le réalisateur et le scénariste ont donc mis un point d’honneur à montrer qu’une relation ne se construit pas forcément en un jour, ou ne se met pas en place de manière presque magique en quelques scènes, comme on peut le voir souvent dans certains films de romance. Il y a donc tout un cheminement de séquences où Marko et Jacob vont se retrouver, que ce soit pour des activités scolaires (s’occuper des vaches, s’occuper du matériel agricole, etc.), ou alors pour des sorties plus intimes comme une baignade dans un lac. Ce qui permet de montrer étape par étape l’évolution de leur relation. Malheureusement, certains spectateurs peuvent trouver ce rythme très longuet. Et malgré quelques moments plutôt intimes entre Marko et Jacob, notamment après une virée à Berlin, on pourra même aller jusqu’à se demander s’il s’agit bien là d’une histoire d’amour, ou simplement d’une amitié un peu plus poussée, très romancée. Libre choix à chacun de s’imaginer ce qu’il veut, tant le film est ambigüe à ce sujet.
Le cadre est intéressant puisqu’il explore le thème des désirs masculins réciproques dans le monde de l’agriculture, on est donc loin des clichés Hollywoodiens ou des situations convenues. C’est vraiment quelque chose d’original qu’on ne risque pas de recroiser de sitôt et qui permet de lever un voile sur ce milieu parfois méconnu. Par ailleurs, l’homosexualité des deux personnages n’est jamais explicitement confirmée. On ne peut jamais affirmer à tel ou tel moment que l’un ou l’autre est gay. On ne sait presque rien du passé de Marko, et encore moins de celui de Jacob à ce sujet. Il s’agit simplement de deux personnes qui vont commencer à éprouver de la tendresse et des sentiments compliqués l’un pour l’autre.
Le film est assez silencieux et calme, que ce soit dans la réalisation, l’écriture ou la musique. Comme pour Hawaii, beaucoup de longs plans sans dialogue, où tout se joue dans les paysages, les attitudes et les regards. Lukas Steltner et Kai Michael Müller parviennent avec leur jeu à bien définir ce rythme, qu’on sent très réaliste, avec une prestation qui évite certains clichés vus et revus.
Conclusion : un film plaisant à voir, mais qui je trouve s’étire parfois trop en longueur. Il est utile de montrer la construction d’une relation, mais le film manque tout de même un peu de punch et de dynamisme. Malgré tout, reste une histoire très touchante, qui ne rebutera pas pour peu qu’on puisse accepter les quelques longueurs du film, et très bien portée par les deux acteurs principaux.
Pour chaque film gay, j’ajoute une petite note de fin, qui est bien évidemment cachée par une balise SPOILER, afin de vous dire comment, en quelques mots, est la fin : HEUREUSE, 50/50 ou TRISTE. Car personnellement, je suis plutôt amateur de fins joyeuses. Non pas que je n’apprécie pas les drames, mais j’aime bien voir quand même des choses positives de temps en temps. Ainsi, si vous souhaitez voir un film gay qui se termine bien pour voir quelque chose de joyeux, vous aurez le choix de voir comment se termine la fin en dévoilant la balise. Donc à vos risques et périls, ne passez pas votre curseur si vous ne voulez rien savoir !
Nouvelle chronique sur le cinéma gay, consacrée cette fois à un film Argentin, Hawaii.
Titre original :Hawaii Nationalité(s) : Argentin Date de sortie : 13 Avril 2013 Date de sortie France : 10 Avril 2014 Réalisé par : Marco Berger Avec : Manuel Vignau, Mateo Chiarino, Luz Palazón Genre(s) : Romance, Drame Durée : 1h42
Synopsis :Martin et Eugenio, deux amis d’enfance, passent leur été ensemble, à retaper la maison de campagne d’Eugenio. Le temps s’écoule paisiblement au rythme des vacances. Entre travaux, siestes champêtres et baignades, un jeu de séduction se dessine peu à peu entre les deux garçons et transforme doucement la nature de leur relation …
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Mon avis : Nouvelle chronique sur un film visionné il y a déjà quelques mois désormais ! Il n’est donc plus tout frais dans ma tête, mais je vais quand même tenter de livre une courte critique à son sujet.
Premièrement, le film m’a bien plu, ce qui est bon signe. Il m’a beaucoup fait penser dans son traitement au film « La Clef des Champs » pour lequel je dois également livrer mon avis.
Le début du film nous fait découvrir le personnage d’Eugenio, dont on découvre qu’il est complètement fauché et est carrément sans domicile fixe. Il vit donc au petit bonheur la chance, en dormant parfois en pleine nature, et en gagnant un peu sa croûte en effectuant quelques travaux ou du jardinage chez des gens.
Au cours de son périple, il finit par tomber chez Martin, le second personnage principal. Martin va accepter d’embaucher Eugenio pour effectuer des réparations et de l’entretien chez lui. Mais rapidement, Eugenio va avouer qu’il n’est pas arrivé là par hasard. Il va rappeler à Martin que lui et Eugenio étaient amis pendant leur enfance, ce qui va créer un premier rapprochement.
Bientôt, une tendre relation d’amitié va renaître entre les deux compères, où va commencer à s’immiscer un désir et une tension sexuelle palpable. En effet, Eugenio va se rendre compte que Martin est devenu écrivain, mais qu’il dessine également. Il va tomber sur des croquis d’hommes nus, et s’apercevra que Martin est gay.
Le rythme du film est très lent et très doux. Si vous êtes plutôt amateur « d’action », et que vous attendiez un film où les choses se déroulent rapidement, il vaudra mieux passer votre chemin. Car effectivement, le but du film est de montrer tout du long la manière dont les deux amis vont (re)construire leur relation, parfois avec perte et fracas, à cause justement de ce désir inavouable et de cette alchimie qui va s’opérer.
Les deux acteurs principaux, Manuel Vignau et Mateo Chiarino, livre une prestation faisant écho à ce style, avec beaucoup de poses statiques, de gestes épurés, tout en mettant bien en avant la frustration et l’envie qui prend place l’un envers l’autre.
Le rythme lent du film prend aussi place, en plus du scénario, dans la mise en scène propice à de très longs plans silencieux. Il peut ainsi se passer plusieurs minutes sans qu’aucun dialogue ne soit prononcé. On est donc vraiment dans le minimalisme, et cela même dans les décors qui sont pratiquement toujours les mêmes, ou avec l’entourage des deux protagonistes, car à part au début et au milieu du film, on ne croise pratiquement aucun autre acteur. Le film est véritablement exclusivement centré sur Martin et Eugenio.
Ce ton léger, extrêmement calme et apathique voulu par le réalisateur se retrouve également dans les musiques, qui sont très en retrait et discrètes, parfois simplement composées de quelques notes subtiles.
Malgré cela, j’ai trouvé la construction scénaristique qui permet l’évolution de la relation d’Eugenio et Martin très agréable, et surtout très touchante. On s’attache vraiment très facilement à ces deux personnages, on suit leur périple, jusqu’au poing d’orgue final du film qui est juste parfait !
Une petite production venue tout droit d’Argentine que je recommande donc vivement à tous mes lecteurs 🙂
Pour chaque film gay, j’ajoute une petite note de fin, qui est bien évidemment cachée par une balise SPOILER, afin de vous dire comment, en quelques mots, est la fin : HEUREUSE, 50/50 ou TRISTE. Car personnellement, je suis plutôt amateur de fins joyeuses. Non pas que je n’apprécie pas les drames, mais j’aime bien voir quand même des choses positives de temps en temps. Ainsi, si vous souhaitez voir un film gay qui se termine bien pour voir quelque chose de joyeux, vous aurez le choix de voir comment se termine la fin en dévoilant la balise. Donc à vos risques et périls, ne passez pas votre curseur si vous ne voulez rien savoir !
Nouvelle chronique sur le cinéma gay, consacrée cette fois à un film français, À Cause d’Un Garçon.
Titre original :À Cause d’Un Garçon Date de sortie France : 13 Mars 2002 Réalisé par : Fabrice Cazeneuve Avec : Julien Baumgartner, Julia Maraval, Jérémie Elkaïm, François Comar Nationalité(s) : Français Genre(s) : Romance, Drame Durée : 1h26
Synopsis :Vincent a 17 ans et est un jeune homme sans problèmes : bon élève, discret, sportif et beau, il sort avec une jeune fille que tous convoitaient. Mais Vincent vit dans le mensonge depuis longtemps. En réalité, Vincent aime les garçons et surtout Benjamin, un nouvel élève bien mystérieux. Un jour Vincent découvre un graphiti sur un mur du lycée le traitant de » pédé « . Son homosexualité est alors dévoilée au grand jour et sa vie est profondément bouleversée …
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Mon avis : À lire le synopsis du film, on pourrait penser qu’À Cause d’Un Garçon est à nouveau un film traitant d’une romance entre deux garçons, ici Vincent et Benjamin. Mais au moment de visionner le long-métrage, on comprend que les choses sont assez différentes.
On nous présente donc Vincent, champion de natation et bon élément du lycée où il étudie. Il sort avec la jolie Noémie. Néanmoins on découvre assez rapidement au début du film que Vincent a une liaison secrète avec un personnage gay nommé Bruno. Au début, on ne sait pas trop ce qu’il en est clairement de la sexualité de Vincent : est-il homo, bi ou essaie-t-il simplement de satisfaire une curiosité naturelle que nous éprouvons tous envers l’autre sexe à l’adolescence ? (bien que certains vous le nieront toujours, par crainte ou pour ne pas blesser leur égo). En effet, qu’on soit gay, bi ou hétéro, qui ne s’est jamais demandé « comment c’est avec l’autre ? devrais-je essayer ? ». Certains franchissent le pas pour tester, pour d’autres cela permet de conforter une position déjà existence et finalement pour le reste, cela ne reste qu’un fantasme qui ne sera jamais réalisé et parfois oublié ensuite.
Le spectateur en reste donc là, et on apprécie la relation mignonne et sympathique entre Vincent et Noémie. Jusqu’à ce que déboule un nouveau personnage assez énigmatique, Benjamin, qui ne va pas laisser indifférent Vincent. Ce parasite qui va s’immiscer dans l’histoire va faire tourner la tête à notre pauvre Vincent qui de fil en aiguille va être amené à se poser de nombreuses questions, et également à avouer ses attirances, qu’il cachait ici à tous, que ce soit à ses parents ou à Noémie.
Et c’est cela le point fort du film : plus que de traiter la relation amoureuse entre Vincent et Benjamin, qui soit-dit au passant est quasiment inexistante (nous y reviendrons plus tard), le film met beaucoup plus en avant l’acte du coming-out, les difficultés rencontrées lors de ce passage obligé, que ce soit tôt ou tard, pour toutes les personnes homosexuelles. Vincent doit ainsi faire face aux nombreuses questions de ses parents, qui se demandent ce qui a bien pu se passer pour en arriver là, ainsi qu’à la perte de confiance de sa petite amie Noémie, qui l’accuse de ne pas lui avoir dit la vérité au préalable (cela aurait-il changé quelque chose ?). Bien évidemment, cela ne se passe pas que dans le cercle privé, car hélas pour Vincent, le bruit et les rumeurs vont également se répandre comme une traînée de poudre dans le lycée suite à un graffiti apposé sur un des murs du lycée, accusant Vincent d’être un « pédé ». Vincent va donc être tiraillé de toute part, y compris dans son équipe de natation où règne une homophobie latente. C’est donc vraiment beaucoup plus sur cet aspect que s’arrête ce film, le fait d’avoir à affronter l’agora une fois que nous sommes percés à jour, plus que sur la relation du personnage principal avec le nouveau du lycée.
Car en effet, si vous espériez voir un film romantique entre Vincent et Benjamin, c’est râté, et c’est à mon sens le point faible du film : le long-métrage passe tant de temps à explorer la problématique du coming-out que le traitement de la relation entre les deux personnages est totalement mise de côté. Il n’y ainsi pas de véritable construction amoureuse entre Vincent et Benjamin, seulement quelques scènes assez éparses où l’on sent tout de même une certaine tension monter. C’est à peine si nous les voyons s’embrasser.
Les seconds rôles sont intéressants, à l’instar de Stéphane, le meilleur ami de Vincent, qui sera un soutient sans faille pour ce dernier, l’un des seuls au début d’ailleurs. Noémie joue une petite amie convaincante, qui aura forcément aussi beaucoup de mal à accepter les choses au début, mais cherchera tout de même à comprendre ce qui anime Vincent. Quant à Benjamin, alias Jérémie Elkaïm, il est bien connu dans le cinéma LGBT pour avoir joué notamment dans Presque Rien aux côtés de Stéphane Rideau.
Au niveau de la mise en scène, elle est assez douce et classique, avec beaucoup de plans assez longs. Elle manque peut-être un peu de punch, à l’instar de certains dialogue un peu pompeux pour des adolescents lycéens. La musique est très en retrait et ne prend pas le pas sur l’image.
Il y a une chose qui a retenu mon attention durant le film, c’est l’utilisation récurrente du mot « pédé ». Il faut savoir que ce film date de 2002, et a donc près de 13 ans. À l’époque, le mot gay n’était pas si répandu en France, et ne faisait pas encore parti du vocabulaire courant pour désigner une personne homosexuelle par un terme plus court et généraliste. Le mot « pédé » était donc largement utilisé, avec la connotation très négative, encore plus qu’à l’époque, qu’on lui connaît aujourd’hui. Il est très rare désormais de voir une personne gay s’auto-qualifier de « pédé », car cela tient plus de l’insulte homophobe, qui a d’ailleurs connu une banalisation désolante vers la fin des années 2000 (certaines personnes utilisaient alors, ou utilisent toujours, l’expression « ça c’est pas un(e) *** de pédé » pour désigner un objet ou une chose (« ça c’est pas une caisse de pédé » par exemple), comme si l’adjectif « pédé » était quelque chose de piètre qualité, bas de gamme ou minuscule, assimilant ainsi toute une catégorie de personnes par ces désignations homophobes.
Pour conclure, À Cause d’Un Garçon est à mon sens un bon film LGBT, qui explore un aspect pas toujours mis en avant dans ce type de films, à savoir le coming-out et les conséquences qu’il implique. C’est une autre vision des choses, et cela permet au spectateur non-initié de se rendre compte des nombreuses difficultés auxquelles peut faire face un adolescent homo qui doit tout avouer du jour au lendemain à sa famille et ses amis. Le film aurait gagné à explorer un peu plus la relation Vincent/Benjamin qui est clairement reléguée au second plan et ne sert que de catalyseur pour la situation du coming-out et du dépassement de soi.
Pour chaque film gay, j’ajoute une petite note de fin, qui est bien évidemment cachée par une balise SPOILER, afin de vous dire comment, en quelques mots, est la fin : HEUREUSE, 50/50 ou TRISTE. Car personnellement, je suis plutôt amateur de fins joyeuses. Non pas que je n’apprécie pas les drames, mais j’aime bien voir quand même des choses positives de temps en temps. Ainsi, si vous souhaitez voir un film gay qui se termine bien pour voir quelque chose de joyeux, vous aurez le choix de voir comment se termine la fin en dévoilant la balise. Donc à vos risques et périls, ne passez pas votre curseur si vous ne voulez rien savoir !
Titre original :[●REC]⁴ : Apocalypsis Date de sortie France : 12 Novembre 2014 Date de sortie (Espagne) : 31 Octobre 2014 Réalisé par : Jaume Balagueró Avec : Manuela Velasco, Paco Manzanedo, Ismael Fritschi, Héctor Colomé, Crispulo Cabezas, María Alfonsa Rosso Nationalité(s) : Espagnol Genre(s) : Épouvante, Horreur, Action Durée : 1h36
Synopsis :Quelques heures après les terribles événements qui ont ravagé le vieil immeuble de Barcelone. Passé le chaos initial, l’armée décide d’intervenir et envoie un groupe d’élite dans l’immeuble pour poser des détonateurs et mettre un terme à ce cauchemar. Mais quelques instants avant l’explosion, les soldats découvrent une ultime survivante : Angela Vidal … Elle est amenée dans un quartier de haute-sécurité pour être mise en quarantaine et isolée du monde afin de subir une batterie de tests médicaux. Un endroit parfait pour la renaissance du Mal … L’Apocalypse peut commencer !
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Mon avis : Voici enfin venu l’ultime épisode de la saga REC, initiée en 2007 avec le premier film. Après un REC 3 qui a déçu de très nombreux fans, REC 4 se devait de relever la barre assez haut afin de faire oublier cet aparté raté. Et le pari est réussi !
Je me rappelle encore de la première fois où j’ai vu REC 1 en 2008. Ce film d’horreur venu tout droit d’Espagne, loin des habituels standards américains, a été pour moi une véritable claque. Le film décide d’utiliser le found footage, à l’époque encore balbutiant (les gens se souviennent surtout à ce moment là du projet Blair Witch). C’est à cette même période que commencent alors à arriver toute une flopée de métrages utilisant ce style délicat à maîtriser : Paranormal Activity, Cloverfield et bien d’autres encore, avec plus au moins de réussite.
Néanmoins la particularité de REC, c’est son atmosphère absolument étouffante et stressante, avec une tension qui monte graduellement tout au long du film, tandis que le spectateur découvre éberlué une fin totalement hystérique qui restera dans les mémoires, avec une Tristana Medeiros absolument effrayante.
En 2009 le film suivant a débarqué, et pour moi c’était une suite tout à fait satisfaisante qui a apporté pas mal de réponses par rapport au premier film, et notamment au sujet de l’infection qui se propageait dans l’immeuble, même si certaines questions restaient toujours en suspens. L’horreur laissait un peu plus de place à l’action avec l’arrivée d’un commando armé jusqu’aux dents. À l’issu de ce film, il est annoncé par les co-réalisateurs des 2 premiers opus, Paco Plaza et Jaume Balagueró, que la saga sera clôturée par deux nouveaux films qui ne seront plus réalisés ensemble par le duo, mais plutôt que chacun s’occupera d’une des suites. Paco Plaza sera chargé de REC 3, et Jaume Balagueró de REC 4.
C’est ansi que débarque en 2012 REC 3, énormément attendu par les fans, notamment vis à vis de son titre trompeur « Genesis », à l’époque interprété comme un retour à la source, qui permettrait de comprendre les origines du chaos. Au final, le titre n’est qu’une référence à la « Genèse » dans la Bible et le film n’est ni une préquelle, ni une séquelle à la saga, mais ce qu’on appelle un « sidequel », c’est à dire que le film se passe en même temps que REC 1 et 2. C’est donc une parenthèse apportée à la saga, qui permettait de découvrir de tout nouveaux personnages et un nouveau foyer d’infection. Malheureusement, le film a énormément souffert de la direction prise par son réalisateur, Paco Plaza. Celui-ci a en effet ajouté une dimension comique tout à fait mal venue, s’écartant complètement du ton sombre et angoissant établi avec les deux premiers films. On se retrouve donc plutôt avec une comédie horrifique qu’un véritable film d’horreur. Beaucoup de personnes, moi-compris, se sont senties dupées par cette suite tant escomptées. Néanmoins, il faut dire que le film a tout de même apporté son lot de points positifs : tout d’abord, un rafraîchissement total au niveau de la mise en scène, puisque le found footage a été abandonné au profit d’une réalisation classique, ce qui permet à la franchise un renouvellement bienvenue, plutôt que de se reposer sur ses acquis en terme de mise en scène. De même, les acteurs étaient vraiment tops, à commencer par Laetitia Dolera jouant le rôle principal de la mariée avec quelques séquences d’anthologie, notamment ses scènes à la tronçonneuse. Dans le même ordre idée, certaines réponses étaient de nouveau apportées, notamment le fait que Tristana Medeiros, la « patiente zéro », contrôlait en quelque sorte tous les infectés. Hélas, le film a aussi été gâché par une fin mal menée, atroce, où tout le monde a probablement pensé « What the fuck ?! » car n’apportant absolument rien à la saga. La néant total.
C’est donc avec beaucoup d’appréhension que les adorateurs de REC attendaient cet ultime épisode qu’est REC Apocalypse. Et la patience a été, me concernant, à la hauteur de mes attentes, puisque j’ai retrouvé avec plaisir l’ambiance des deux premiers films. Tout d’abord grâce au début qui permet un come-back dans « l’immeuble » de Barcelone, véritable icône à lui seul de la saga. Mais également grâce au lieu de l’action, un cargo, propice au retour des thèmes essentiels de REC : enfermement (où aller quand vous êtes coincés sur un bateau, entouré par l’immensité de l’océan ?), claustrophobie, environnement inhospitalier, etc.
On retrouve avec une immense joie le personnage clef de la saga, Angela Vidal, qui a enfin pu ressortir de l’immeuble de Barcelone … pour se retrouver de nouveau enfermée sur ce cargo servant de QG à une équipe scientifique de pointe chargée de lui faire passer de nombreux tests afin de vérifier si oui ou non cette dernière est toujours infectée, et surtout trouver un remède à l’infection. Malheureusement, film d’épouvante oblige, tout ne se déroule pas comme prévu, puisqu’un singe ayant servi de cobaye afin de créer ledit vaccin s’échappe, libérant l’infection sur le bateau, ce qui engendre en un rien de temps un chaos sans nom.
Angela se retrouve accompagnée de nouveaux personnages : Guzman, un des soldats l’ayant extraite de l’immeuble, ainsi que son coéquipier Lucas. Une survivante de REC 3 qui permet de faire le lien avec le film précédent est également présente, Anciana, visiblement la mère de Koldo, car si j’ai bien compris, elle dit être la belle-mère de la mariée, alias Clara dans REC 3. Son personnage est véritablement drôle et apporte une touche d’humour, qui, contrairement à REC 3, est parfaitement amenée et permet d’apaiser certains moments de tension. Du côté de l’équipe du cargo, on fait la connaissance du Docteur Ricarte en charge des expérimentations. Il a un rôle prépondérant et ne reculera devant rien pour trouver le remède. Enfin, dernier personnage crucial, Nic, fan des émissions d’Angela Vidal et accessoirement spécialiste informatique qui sera d’une aide précieuse. Les acteurs sont vraiment biens et jouent leurs rôles de manière convaincante
La mise en scène de Jaume Balagueró est très énergique et cet opus, une fois passée la phase nécessaire d’introduction, est clairement orienté action, et on sent que c’est le chapitre le plus ambitieux de la franchise en terme de budget. Globalement le tout est satisfaisant, on est à le fois happé par des scènes de corridors étouffantes, et à la fois « libérés » par des plans extérieurs montrant le bateau et l’océan. Reste quand même que certaines scènes de combat restent difficiles à suivre et parfois mal coordonnées, même si cela ne dure pas forcément longtemps. L’ambiance m’a beaucoup fait pensé au jeu vidéo Resident Evil : Revelations se déroulant lui aussi sur un grand bateau, en l’occurence un bateau de croisière, et ça m’a plu. On retrouve à nouveau quelques scènes d’anthologie comme dans REC 3, notamment Angela et Nic se défendant avec ardeur à l’aide d’un moteur de bateau servant à déchiqueter les infectés.
La musique était assez classique mais collait bien à l’ambiance générale du métrage. Elle n’a pas particulièrement retenu mon attention mais ne m’a pas déçue pour autant non plus.
Pour en revenir aux personnages, quel plaisir de retrouver Angela ! La pauvre se retrouve de nouveau enfermée après avoir été libérée de l’immeuble, et doit se démener pour comprendre où elle se trouve et ce qui se trame, avant que l’horreur ne déferle. En parlant d’horreur, attention, tout comme le 3, à ne pas vous laisser tromper par le titre. Si par « Apocalypse » vous vous attendez à voir les Enfers débarquer sous forme de pandémie sortie de l’immeuble avec une contagion mondiale, vous risquez d’être déçus. À mon sens, le titre « Apocalypse » fait plus référence au fait que ce qui se trouve sur le bateau doit à tout pris y rester afin d’éviter que le chaos ne se répande sur le continent.
Deux autres personnages m’ont beaucoup plus : Ricarte, le chef des scientifiques, qui était vraiment classe, même si un peu enfoiré sur les bords. Et aussi Nic, le fan d’Angela, drôle et sympathique, qui va finir par former un duo aussi improbable qu’irrésistible avec cette dernière. Guzman était un bon personnage aussi en tant que soutien à Angela.
Au niveau de la trame narrative, attendez-vous à quelques surprises, car ce que vous pensez savoir ou croire ne sera pas forcément la vérité, surtout que le réalisateur prend un malin plaisir à instiller le doute jusqu’au bout.
L’équipe scientifique présente sur le bateau permet de répondre à quelques questions laissées en suspens avec les deux premiers films, mais malheureusement cela apporte aussi de nouvelles interrogations, notamment au sujet du Ver, l’origine du Mal. En effet, il n’est pas bien clair si celui-ci est apparu pour la première fois en Tristana Medeiros, ou si cette dernière n’a été qu’un simple hôte comme un autre, à l’instar d’Angela. Si cette hypothèse est vérifiée, cela s’avèrerait assez décevant étant donné que Tristana est présentée depuis le départ comme la « patiente zéro », celle avec qui tout a commencé. Par ailleurs, d’où vient le Ver ? Est-il véritablement d’origine diabolique, la « voix » du démon, comme suggéré auparavant, ou alors une entité extraterrestre, comme le laissaient entendre certaines coupures de journal dans REC 1 ? Dans un sens, le fait qu’aucune véritable affirmation ne soit apportée n’est pas plus mal. Car le propre du fantastique, comme en littérature, n’est-il pas justement de laisser le spectateur douter sur la finalité de l’histoire, à l’instar par exemple des nombreuses nouvelles de Maupassant qui excellait dans ce genre terrifiant et malsain ?
Maintenant la question que vous vous posez, c’est : « Est-ce que le film conclut-il vraiment la saga » ? J’ai lu que beaucoup de gens avaient été déçus à ce sujet. Pour moi ça n’est pas le cas. Sans rien vous dévoiler, le film clôt en beauté les aventures d’Angela qui est quand même le personnage central de la franchise. Le film laisse toutefois une grande part de mystère avec une fin qui permet d’imaginer une ouverture possible pour une suite. Rien de cela n’est prévu à l’ordre du jour, mais Jaume Balagueró et Paco Plaza ont déjà plaisanté à ce sujet. Sait-on jamais ?
Pour conclure, REC 4 a pour moi été un film super, que j’ai adoré regarder. J’avais peur d’être déçu au vu des critiques qui m’avaient été faites, mais au final je l’ai apprécié de bout en bout. Comme quoi il ne faut jamais écouter les autres et les avis pré-conçus ! Je suis assez triste car avec REC 4 une page du cinéma d’horreur se tourne, la saga REC aura pour moi durablement marqué ce genre, et aura brillamment su s’imposer, car qui aurait cru qu’un simple film espagnol, loin des standards hollywoodiens, parviendrait à se muer en franchise s’exportant à l’international ? Un grand merci à Jaume Balagueró et Paco Plaza pour ces moments de frissons et de bonheur. Adieu REC !
P.S. : Si vous souhaitez en apprendre plus sur la saga [REC] (produits dérivés, univers) et avoir des news exclusives à son sujet, notamment les futures sorties DVD / Blu-Ray, je vous invite à vous rendre sur l’excellent blog de mon ami Khalen, qui est entièrement dédié à la franchise, à cette adresse : http://sagarec.wordpress.com. Khalen est toujours bien renseigné, et s’il y a du nouveau sur la franchise, c’est là que vous serez informés en premier lieu !
Titre original :Godzilla Date de sortie France : 14 Mai 2014 Date de sortie (Israël) : 16 Mai 2014 Réalisé par : Gareth Edwards Avec : Aaron Taylor-Johnson, Bryan Cranston, Ken Watanabe, Elizabeth Olsen Nationalité(s) : Américain Genre(s) : Catastrophe, Action, Science-Fiction Durée : 2h03
Synopsis :Au Japon, une étrange créature ailée nommée MUTO s’échappe de la centrale nucléaire abandonnée de Janjira où elle a hiberné durant 15 ans, accumulant de l’énergie radioactive, et détruit tout dans son sillage. C’est alors qu’un monstre ancestral gigantesque, Godzilla, entre en scène.
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Mon avis : Après une première tentative de remake de la célèbre licence japonaise (qui compte près de 28 films) en 1998 signée Roland Emmerich et qui a connu un joli succès au box office, les américains décident de repartir de zéro et de créer un nouveau remake. Le Godzilla de Emmerich pour moi n’est pas un si mauvais film. C’est un bon blockbuster, qui reprend tous les critères du genre. Seulement, il y a un hic, qui fait que beaucoup de gens ont détesté ce film, et plus particulièrement les fans de Godzilla : il n’avait pas grand chose à voir avec Godzilla. La créature d’une part ne ressemblait que peu au Godzilla originel, et d’autres part pratiquement toutes les thématiques abordées dans la saga japonaise était survolées, voire éclipsées. On se retrouvait donc avec un simple monstre destructeur perdu dans New York et misant à fond sur la carte de la surenchère et des effets spéciaux. Le film avait malgré tout très bien fonctionné et il était même prévu de lancer la suite (basé sur le dernier oeuf restant à la fin du film).
Ce cru 2014 propose une vision tout à fait différente mais plus satisfaisante, beaucoup plus proche de la saga japonaise. On retrouve ainsi fortement le thème du danger nucléaire, qui n’était qu’un prétexte dans le film de 1998 et n’était évoqué qu’au début. De plus, le design de Godzilla est beaucoup plus fidèle à l’original tout en se démarquant avec une une vraie classe et un vrai charisme.
Alors certes, ce film reste un blockbuster, on ne va pas se mentir, mais un blockbuster intelligent et très bien ficelé, mené de main de maître par Gareth Edwards, habitué jusqu’ici aux petites productions (Monsters). L’originalité du film, c’est que, bien qu’il s’agisse d’un film catastrophe, il garde une dimension et un point de vue très humain. Ainsi, la mise en scène privilégie majoritairement des plans qui ne pourraient être filmés que depuis un endroit où pourrait se situer un humain en train d’observer les scènes : rue, haut d’un immeuble, dans un hélicoptère, sur un pont, au loin. Cela permet de mesurer l’ampleur du désastre d’un point de vue réaliste et bien plus effrayant.
Beaucoup ont critiqué à la sortie du film le fait qu’on ne voyait pratiquement pas Godzilla. Visiblement ils n’ont pas compris que Gareth Edwards a justement voulu éviter de retomber dans les travers du Godzilla 1998. Ici, le suspens et l’action montent crescendo. Godzilla est une ombre menaçante et invisible qui surgit sans prévenir et à point nommé, pour un dernier tiers de film complètement fou et hallucinant.
Les nouvelles créatures introduites, appelées MUTOs, ont un design très insectoïde, qui a rappelé pour certains la créature de Cloverfield. Leurs scènes sont tout aussi angoissantes que celles de Godzilla, puisque malgré leurs tailles gigantesques, les MUTOs surgissent généralement de nul part. Ils s’avèrent être de redoutables adversaires qui mettront autant à mal Godzilla que les humains.
Les acteurs sont convaincants, notamment Aaron Taylor-Johnson qui est trimballé malgré lui aux quatre coins du globe. Il n’y a peut-être que Ken Watanabe qui a l’air un peu trop constipé à chaque apparition de Godzilla, mais qui pourtant semble bien sûr de lui. Brian Cranston était parfait dans son rôle un peu fou et paranoïaque, piétinant dans les démons de son passé. Juliette Binoche, notre petite française nationale, a malheureusement un rôle trop peu important pour pouvoir juger de quoi que ce soit.
Au niveau de la musique, on a le droit à une très belle partition d’Alexandre Desplat (également un petit français !), décidément fort prisé ces derniers temps aux USA. Il rend un bel hommage aux Godzilla japonais tout en apportant sa touche personnelle. On se retrouve avec une musique bien calibrée, à la fois angoissante et glauque, mais aussi énergique pour les scènes impressionnantes.
Pour conclure, ce Godzilla 2014 version US est pour moi un pari réussi, qui rafraîchi le mythe du plus connu des Kaijus tout en rendant un hommage bien mérité à la franchise qui célèbre cette année ses 60 ans d’existence.
P.S. : Info de dernière minute, il semble que la Toho souhaite refaire un nouveau Godzilla japonais, ce qui en ferait le 25ème film version jap. La société de production se pose notamment la question de savoir s’ils resteront fidèles au Godzilla costumé ou si ce dernier passera à l’image de synthèse. En tous les cas ce film serait prévu pour 2016. À voir !
Titre original :Beautiful Creatures Date de sortie France : 14 Février 2013 Date de sortie (USA) : 17 Février 2013 Réalisé par : Richard LaGravenese Avec : Alden Ehrenreich, Alice Englert, Jeremy Irons, Viola Davis, Emmy Rossum, Thomas Mann (II), Emma Thompson, Eileen Atkins Nationalité(s) : Américain Genre(s) : Fantastique, Romance Durée : 2h04
Synopsis :Ethan Wate, un jeune lycéen, mène une existence ennuyeuse dans une petite ville du sud des Etats-Unis. Mais des phénomènes inexplicables se produisent, coïncidant avec l’arrivée d’une nouvelle élève : Léna Duchannes. Malgré la suspicion et l’antipathie du reste de la ville envers Léna, Ethan est intrigué par cette mystérieuse jeune fille et se rapproche d’elle. Il découvre que Lena est une enchanteresse, un être doué de pouvoirs surnaturels et dont la famille cache un terrible secret. Malgré l’attirance qu’ils éprouvent l’un pour l’autre, ils vont devoir faire face à une grande épreuve : comme tous ceux de sa famille, Lena saura à ses seize ans si elle est vouée aux forces bénéfiques de la lumière, ou à la puissance maléfique des ténèbres …
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Mon avis : Un film que j’ai beaucoup aimé !!!! Je l’ai vu dans la foulée avec Mortal Instruments et autant dire que Sublimes Créatures surpasse à mon sens de très loin ce dernier. Mise en scène soignée et maîtrisée, acteurs au top, histoire très intéressante et bien menée et musique envoûtante ! Je n’ai pas lu le roman donc je laisserai le soin aux fans de la saga littéraire de faire la comparaison.
Toujours est-il que Sublimes Créatures reste un excellent film fantastique « bit-lit » avec une atmosphère mystérieuse, loufoque et étrange assez agréable. J’ai beaucoup apprécié toute cette histoire d’ « enchanteurs » (qui ne restent ni plus ni moins que des sorciers) qui sont cachés parmi les humains. Leurs pouvoirs sont aussi intéressants que puissants. Moi qui cherchait des sources d’inspiration sur les sorciers / enchanteurs, j’ai pour le coup été bien servi.
Le point positif du film réside aussi le fait que le personnage principal est un garçon, ce qui nous change un peu de l’éternelle greluche qui tombe amoureuse du premier être surnaturel venu. Ici, il y a certes une histoire d’amour naissante entre les deux héros, Ethan, le mortel, et Lena, l’Enchanteresse, mais elle se fait tout en douceur et est parsemée d’embuches. On ne tombe pas directement dans la niaiserie habituelle de ce genre de films. On a plus l’impression de voir deux meilleurs amis très proches qu’un véritable couple et ça passe mieux pour moi.
Ce que j’ai un peu moins bien aimé, c’est le fait que chaque Enchanteur saura à ses 16 ans s’il passe du côté de l’ombre ou de la lumière. Un peu trop cliché à mon goût. Sans compter ce thème qui revient souvent dans ce type d’histoire fantastique des ancêtres des deux héros qui se sont déjà rencontrés par le passé et ont vécu une romance (un peu dans le même style que The Vampire Diaries avec Katherine, Stefan et Damon).
Dans les tous cas, Alden Ehrenreich et Alice Englert sont vraiment tous les deux très convaincants dans leurs rôles, ils n’en font pas trop et c’est une bonne chose. J’ai également apprécié les prestations de Jeremy Irons et Emma Thompson, sortes d’Aînés parmi les Enchanteurs.
Quand je vois la déception qu’a été Mortal Instruments, je suis assez triste de constater que malheureusement Sublimes Créatures n’a pas si bien fonctionné au box office, car au contraire du premier cité, Sublimes Créatures aurait vraiment mérité une suite car on sent que même sans les avoir lus, l’histoire des livres a vraiment du potentiel et qu’il y avait encore beaucoup à dire. Mais voilà, je pense qu’une certaine lassitude s’est installée auprès du public pour ce genre de films. L’époque « Twilight » est désormais révolue. Maintenant la mode est plutôt aux films avec un futur dystopique comme Twilight ou Divergente (deux sagas que j’adore). Mais on peut toujours croiser les doigts pour une suite à Sublimes Créatures !
En clair, un film que je conseille aux amateurs de fantastique et de bit-lit !!
La fin étant ceci dit très ouverte, je me demande si on aura un jour droit une suite …
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